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¿Cómo funcionan los sistemas de seguridad biométricos?

La biometría es el uso de atributos físicos o de comportamiento como una contraseña o clave. Usted probablemente ha visto huellas digitales o escáneres de ojo en populares películas de espías de Hollywood, pero esta tecnología es real y proporciona un excelente nivel de seguridad. Biometría funciona mediante el registro de un rasgo físico o de comportamiento, tales como huellas dactilares o de voz. A continuación, utiliza estas grabaciones como una contraseña por lo que la persona debe proporcionar, por ejemplo, la misma huella digital o de voz para acceder a la información privada, datos o ubicaciones.

La huella digital es única para cada individuo, por lo que hay pocas posibilidades de un fallo de seguridad que esta tecnología está en uso. Sistemas basados ​​en minucias escanear para minucias específicas (detalles precisos) de la huella digital y el partido contra huellas en la base de datos. Sistemas de correlación superponer la imagen de una huella digitalizada en grabados en la base de datos, en busca de un partido. Sistemas de captura de Ridge medir las crestas y aumentos específicos de las huellas dactilares, este avanzado sistema funciona mejor con muestras de baja calidad.

Reconocimiento visual es similar a los sistemas de huellas digitales, pero utiliza colores específicos, anillos y líneas en el ojo de una persona como una clave o password. Un sistema de reconocimiento visual muy conocido es el escáner de iris, que escanea la parte coloreada del ojo de una persona en extremo detalle, una característica humana única para cada individuo como la huella digital. Los colores, anillos y manchas del iris se comparan con una base de datos para los partidos. Escaneo de la retina está más avanzada y toma una imagen infrarroja de ojo y búsquedas de bases de datos para los partidos basado en los vasos sanguíneos en el ojo de una persona.

Otro método biométrico física, reconocimiento facial utiliza toda la cara de una persona. Escáneres faciales geométricos escanear cosas como la forma de la nariz de la persona, la boca y los ojos y su distancia el uno del otro. Un sistema de reconocimiento facial más avanzado es el reconocimiento termograma facial, que escanea las caras con la luz infrarroja en busca de firmas de calor. Investigación de la Web afirma que este sistema no puede ser engañado por los disfraces o cirugía, incluso de plástico. Para aún más seguridad, muchos escaneos faciales requieren que la persona a parpadear, sonreír o mover de una manera que demuestra que son humanos y no una máscara detallada.

El reconocimiento de voz es un ejemplo de un sistema que escanea un atributo de comportamiento. Los patrones de los sistemas de reconocimiento vocal miden la frecuencia, el tiempo, el tono, la inflexión y el habla para que coincida con la voz de una persona a otra en la base de datos. El PRE-programas persona o se le da una palabra o frase por el sistema de seguridad propio de repetir para probar patrones de voz. Los sistemas avanzados no requieren la articulación de una palabra o frase específica, lo que significa que pueden ser utilizados por personas de diferentes idiomas.

Otra prueba de atributos de comportamiento, el reconocimiento de la firma, se ha utilizado para la validación de la identidad antes de biometría fueron incluso alrededor. Biometría simplemente mejora la precisión de tales sistemas, como una cámara que coincidan con un firmas características específicas de una imagen de base de datos contra es mucho más preciso que el ojo humano. Dicho esto, este método puede ser forjada por los falsificadores profesionales y firmas de las personas cambian naturalmente con el tiempo, por lo que este método no como asegurar que muchos de los métodos disponibles.

La historia del barrio discoteca latina en Nueva York

Originalmente ubicada en un edificio histórico en forma de codo en 1580 Broadway, la discoteca Latin Quarter brillaba con luces de neón intermitentes y brillaba en el interior con disfraces y trajes, cócteles y bailarines. La discoteca Barrio Latino de los años 1940 y los años 50 atrajo a ricos de la ciudad de Nueva York y famosos, que se escapó de los horrores titular de un periódico de la Segunda Guerra Mundial. Compitiendo con el cercano club de Copacabana, el barrio latino traído cantantes y bailarines famosos y tocaba música salsa hasta altas horas de la noche.

Lou Reed, el padre de Barbara Walters ‘, abre la discoteca Barrio Latino en 1942. En sus tiempos originales Square ubicación, el club ofrece espectáculos de renombre como Frank Sinatra, así como coristas, Bailarinas de cancán y cantantes, bailes coreografiados y noches de baile de salsa.

Cuando Lou Walters se retiró en la década de 1950, la discoteca Latin Quarter aparece más coristas y líneas de coro debido a una incapacidad para tomar grandes cantantes de renombre y artistas — y asistencia desplomado.

Para atraer nuevos clientes, la habitación de arriba en el club se convirtió en un arte y ensayo que mostraba películas pornográficas soft-pornografía. Las películas en el Cine Lido, como se le llamaba, fueron un éxito y trajo invitados y dinero a la planta superior del club. La policía de Nueva York, sin embargo, se había percatado de la actividad ilegal. En 1973, la policía irrumpió en las escaleras y allanó el cine, que estaba jugando una película llamada Los recién llegados.

En 1987, tres personas que abandonan el club recibieron disparos. El club cambió de dueño, que intentó restablecer su calidad original y cambió el nombre del Penguin Club, pero no duró mucho. En 1989, una empresa de construcción de la ciudad de Nueva York derribó el edificio, su sustitución por una torre hotelera de 22 pisos, el Radisson Lexington.

Desde 2003, el club experimentó un mayor atractivo principal-club y actitud, dibujo turistas y lugareños New York City para la música étnica y el baile en el centro de Manhattan. Sin embargo, el club tiene mala prensa en el 2008.

Historia del carnaval de trinidad

Trinidad y Tobago anfitrión Carnaval, un festival descrito por el autor Barbara Ehrenreich como una explosión de siglos tan salvaje e intenso que hace Mardi Gras parece un desfile del Día de los Veteranos. Carnaval se celebra el lunes y martes antes del Miércoles de Ceniza, 40 días (excepto los domingos) antes de la Pascua. Al igual que otros festivales de carnaval en todo el mundo, el carnaval de Trinidad es rica en cultura e historia y cuenta con fiestas callejeras energéticos, elaborados trajes y música sin parar.

La mayoría de los historiadores fechan el comienzo de carnaval en Trinidad para algún momento entre 1776 y 1783, con la llegada de los colonos católicos franceses de las colonias francesas del continente y de otro tipo en las Indias Occidentales. Clase de élite de Trinidad y Tobago organizó bailes de disfraces lujosos y fiestas para celebrar la temporada entre la Navidad y la Cuaresma. Los colonos franceses de élite excluidos los africanos y las personas de raza mixta de asistir a las festividades. Las clases bajas, sin embargo, disfrutar de la libertad de curar sus propias celebraciones, completa con disfraces y representaciones satíricas de la sociedad blanca opresivo.

Trinidad y Tobago abolieron la esclavitud en 1833, y los africanos comenzaron a participar en la vida pública. Los ricos bailes de máscaras del carnaval de la élite dieron paso a los festivales masivos calle gozan las clases más bajas. Carnaval se convirtió en la principal celebración anual de las clases más bajas que las elites blancas se retiraron de la participación del público en el evento.

Carnaval de Trinidad se convirtió en la fiesta de la jamette o al margen de la sociedad entre 1838 y 1884. Las clases bajas comenzaron las festividades con un desfile Camboulay medianoche. Camboulay imita un acontecimiento histórico – el envío de esclavos africanos para extinguir un incendio de caña de azúcar masiva plantación – de ahí su nombre camboulay de la frase francesa cannes brulées (caña quemada). La separación de clase evidente en las celebraciones del carnaval causó tensiones que los legisladores impusieron sistemáticamente los límites de las actividades de carnaval, y finalmente prohibió Camboulay en 1884. Como el festival cayó bajo una regulación más estricta, las clases de élite de nuevo comenzaron a participar en el festival.

A medida que la élite comenzó a participar de nuevo en el Carnaval, el vestuario y el boato de influencia europea extravagantes comenzaron reapareciendo. En 1957, el gobierno de Trinidad crea el Comité de Desarrollo de Carnaval (CDC), oficialmente haciendo Carnaval un evento nacional y que conduce a una mayor financiación, la planificación y una mayor participación. Los años 1950 y 60 se refieren como La Edad de Oro del Carnaval de Trinidad. El siglo 20 vio el surgimiento de J’Ouvert, a principios del desfile de la mañana de máscaras pintadas que arranca el carnaval en las primeras horas de la mañana del lunes, el vestuario extravagante de los principales mas (abreviatura de mascarada) desfile del Martes de Carnaval, y fuerte competencia entre las bandas callejeras para Banda del Año, así como entre Carnival rey y aspirantes a reina.

Carnival ha ganado fama por su indomable ambiente de fiesta y vestuario extravagante y atrevida, y atrae a muchos turistas. Sin embargo, los residentes y los historiadores locales se preocupan costumbres tradicionales de carnaval se desvanecen como el enfoque cambia a los intereses comerciales y la comercialización de la fiesta a los turistas.

Los ingresos medios de un diseñador de vestuario

Diseño de vestuario puede ser un exigente, agotador, pero gratificante carrera. Los diseñadores de vestuario son profesionales de la moda que se desarrollan empotrados, calzado, accesorios y otras prendas de vestir utilizada en la realización de producciones. Su trabajo consiste en diseñar ropa que muestra con precisión la secuencia de comandos y la visión como director. Convertirse en un diseñador de vestuario requiere una amplia formación, trabajando dentro y fuera del campo. Los ingresos por la producción depende de talento, experiencia y conocimientos. Según la Oficina de Estadísticas Laborales, el salario medio anual para los diseñadores de moda asalariados en mayo del 2008 fueron 61.160 dólares.

Estudiantes de diseño de vestuario en general, ganan un diseño de moda o grado de diseño de vestuario de una institución de dos o cuatro años. La inscripción en este campo en particular puede requerir que los estudiantes toman clases y ser competentes en las bellas artes y el teatro, la escenografía teatral, la realización de producciones artísticas y producción de cine y televisión. Al graduarse, los diseñadores de vestuario se convierten en profesionales de la moda, cuya tarea principal es el desarrollo de armarios y otras prendas de vestir que se utilizarán en la realización de producciones de arte o de la televisión. Los estudiantes se les enseña a trabajar en estrecha colaboración con los directores, productores y el equipo de producción para asegurarse de vestuario describe con precisión lo que exige el guión.

La obtención de un puesto de interno mientras asistía a la escuela o después de la graduación es una forma común para la mayoría de los diseñadores de vestuario para comenzar a trabajar en su campo. Prácticas dan a los estudiantes actuales y postgrado significativa y valiosa experiencia práctica. Utilidades prácticas dependen principalmente de un estudio o de presupuesto de producción. Algunas prácticas no pagan como diseñadores comercio a tiempo para la experiencia. Otras Prácticas pagan los diseñadores por su tiempo y compromiso a través de un estipendio. Estos estipendios general acomodar el diseñador por el cuidado de viaje, alojamiento y comida, y gastos de equipamiento / material de disfraces.

Las prácticas profesionales ayudan a los estudiantes la transición de la escuela al trabajo en el campo, proporcionándoles los recursos y grupos de apoyo que necesitan para poder trabajar con éxito en el campo. Como resultado de una práctica, muchos estudiantes son contratados a través de una empresa de producción particular y comenzar a trabajar en puestos de nivel de entrada. Según escuelas de moda, diseñadores de vestuario de nivel básico pueden ganar $ 500 a $ 5.000 por producción. Las responsabilidades incluyen, pero no se limitan a, recorriendo las tiendas de descuento y tiendas de alquiler de material de producción de ropa, costura y reparación de prendas de vestir en el set. Algunos trabajan a menudo bajo los diseñadores de vestuario de alto nivel sobre las ideas y proyectos de disfraces específicos.

Diseñadores de vestuario calificados o con experiencia pueden ganar $ 15.000 a $ 30.000 por producción. Diseñadores de vestuario expertos trabajan más estrechamente con los diseñadores de vestuario de primer nivel, directores y demás personal de producción para elaborar conceptos e ideas de disfraces que representen el script. El trabajo de un diseñador experto implica el estudio de secuencias de comandos para conceptualizar estilos de disfraces apropiados, y trabajar con sastres y diseñadores de vestuario de nivel de entrada en los proyectos de disfraces conceptualizado.

Diseñadores de vestuario de primer nivel trabajan en estrecha colaboración con los productores, directores y actores de conceptualizar diseños para producciones. Diseñadores de nivel superior también desarrollan bocetos maestros, supervisan pruebas de vestuario con el elenco de la obra o producción de películas, organizar el enfoque visual de conjunto de los trajes, conjuntos y accesorios, y gestionar el equipo de producción global de disfraces. Diseñadores de alto nivel generalmente ganan $ 50.000 a $ 150.000 por la producción.

Historia del teatro musical de Broadway

En 1866, The Crook Negro fue la primera puesta en escena musical de Broadway. El show duró más de un asombroso de cinco horas y de 474 artistas. Durante décadas, el público compuesto por todas las nacionalidades, razas y orígenes han disfrutado de ir a ver un espectáculo de Broadway lleno de baile, canto, risas y lágrimas. Algunos de los espectáculos de Broadway más larga duración son gatos, El Fantasma de la Opera y The Fantasticks con cada uno con más de 7.000 producciones. Broadway la historia del teatro musical es rica en espectáculos que van desde dramas, comedias y brujas a los leones, todas las cuales son únicas y especiales a cada uno de sus fans.

Al final de la Guerra Civil, un actor llamado William Wheatley estaba tratando de llegar a ideas para mantener este teatro al aire libre en la esquina de las calles Broadway y Prince en Nueva York. Wheatley decidió ejecutar un juego melodrama llamado The Crook Negro por un par de semanas para atraer a las multitudes. Wheatley y los críticos consideran el espectáculo a ser bastante soso y aburrido. Para arreglar el espectáculo, entabló un acuerdo con la Academia de Música de usar su compañía de ballet, la orquesta y el escenario conjuntos para crear el primer estadounidense en Broadway musical. El espectáculo duró cinco horas, pero como indicación de la tradición duradera que se ha convertido en teatro de Broadway y musicales, la audiencia de Wheatley encantó cada minuto de la serie.

En 1891, el primer marqués eléctrica comenzó musicales publicidad y el elenco principal en la 23 West y la Quinta Theater. A medida que la música se hizo más popular, con el tiempo cada vez más teatros a partir de abrir sus puertas a los espectáculos de teatro musical y yesos. Sin embargo, Broadway se convirtió realmente bien conocidas gracias a Irving Berlin, que escribió y compuso algunos de los más famosos espectáculos musicales y canciones del siglo 20. Actores como Al Jolson comenzaron a convertirse en iconos de la escena musical de Broadway.

El teatro musical se oyó en todo el país a partir de los años 1920 y 1930 en las radios. Por la década de 1940, los musicales de Broadway habían hecho su camino a Hollywood y en películas. Algunas de las más famosas películas musicales incluyen las escritas y compuestas por Rogers y Hammerstein. En televisión se inició en la década de 1950, fragmentos de musicales de Broadway directamente desde la ciudad de Nueva York podría ser visto en espectáculos de variedades.

Más recientemente, los musicales de Broadway se han vuelto más y más popular que nunca. En la última década, Broadway cambió con la creación de mega-producciones con modelos más grandes, juegos y disfraces en programas como Rey León de Disney The Producers, Wicked y Hair Spray. Además, durante este tiempo muchos musicales más antiguos, como West Side Story y Cabaret, fueron revividos con nuevas interpretaciones, yesos y paisajes.

Al parecer, los teatros de Broadway musical siempre será popular. Tiene una capacidad de redefinirse y dar forma a los espectáculos y el entretenimiento como pasa el tiempo y el mundo cambia. Broadway, en la actualidad, se extiende a todo el mundo y ha sido traducido a muchos idiomas diferentes. El teatro musical tiene una habilidad universal a entretener a todos los que vienen al teatro a ver un espectáculo.

Información sobre las máscaras de carnaval

Máscaras del carnaval han sido una tradición cultural de siglos, remontando sus orígenes a principios de Venecia y luego se exportan en todo el mundo. Existen al menos cuatro tipos tradicionales de máscaras, con muchas variaciones en la forma, decoración y vestuario acompaña mostrado durante las festividades de carnaval. A pesar de sus inicios tradicionalmente católico, el carnaval es ahora un festival disfrutado de innumerables personas y culturas cada año.

Los orígenes del carnaval y su tradición de acompañamiento de máscaras se pueden remontar a Venecia, Italia, a partir del siglo 14. El carnaval original permitía todas las clases de la sociedad en Venecia a tener una fiesta juntos, como todos los rostros estaban cubiertos por máscaras para proteger las identidades. Fiestas de Carnaval se prohibieron durante el reinado de Mussolini, pero fueron reintegrados en un renacimiento cultural de Venecia en el 1970. Carnaval comienza antes de la temporada de la Cuaresma cristiana, donde el ayuno y la oración durante 40 días, que significan 40 días de Cristo en el desierto, conducen a los días de conmemoración de la crucifixión de Cristo. El último día del carnaval para los profesionales cristianos se conoce como Mardi Gras, que se celebra el martes gordo, o el último día para comer los ricos y azucarados alimentos que están prohibidos durante la Cuaresma. Es posible que las fiestas de carnaval tienen su origen en la necesidad de disponer de los alimentos suntuosos y el alcohol antes de entrar en la Cuaresma.

Mientras que Venecia puede ser atribuido como la inspiración detrás de carnaval y la tradición de máscaras, fiestas de carnaval tienen lugar en todo el mundo, sobre todo en cristiano, y específicamente católica romana y los países orientados ortodoxas orientales. Algunas de las celebraciones del carnaval más conocidos son las fiestas en Brasil en América del Sur y Nueva Orleans, Louisiana en los EE.UU. La tradición del carnaval se extendió originalmente de Italia a través del canal del catolicismo de otros países católicos como España, Francia y Portugal, moviéndose hacia fuera de allí. Fiestas de Carnaval se extienden entre los viajeros europeos a otras partes de Europa, el Caribe, América del Sur y del Norte. Algunos países celebran actividades de carnaval seculares, como los festivales que se celebran en Inglaterra y la India. Ya sea que se centró religiosos o no, la tradición de las máscaras y los disfraces es el símbolo que permea en todos los festivales de carnaval en todo el mundo.

Máscaras Bauta normalmente cubren toda la cara, pero se pueden encontrar en las variedades que salen de la boca libre de hablar y comer. La cara máscara Bauta completa es conocida por su barbilla puntiaguda, ausencia de una boca, y los recortes del ojo son la única parte revelada de la cara del usuario. La Bauta es una de las reliquias más antiguas de máscaras de carnaval tradicional, usado por los venecianos para disfrazar la identidad y la clase social a través del año durante las fiestas de la admitida con máscara.

Columbine o Columbino máscaras, sólo cubren la mitad de la cara y son muy adornado, con decoraciones de oro, plata, piedras preciosas, cristales y plumas. Pueden ser conectado a un testigo que debe celebrarse en la cara, o pueden tener cintas en cada lado para ser atada alrededor de la cabeza. Los orígenes de la máscara de Columbine se atribuyen a una bella actriz de la Comedia del Arte de Venecia, o, Comedia de los artistas profesionales, que tenían la máscara hecha especialmente porque ella no quería que todo el rostro cubierto.

El Medico Della Peste máscara cubre la mitad de la cara y tiene un pico largo que sobresale sobre la nariz. El diseño de la máscara se originó en el siglo 16 de un médico francés, Charles Delorme, quien diseñó la máscara para crear distancia entre él y las víctimas de la plaga que él trató. El médico también llevaba un sombrero negro, manto negro, guantes blancos, y llevaba un bastón blanco para evitar cualquier contacto con una persona infectada. Las personas que usan la máscara de Della Peste Medico hoy a menudo Don traje tradicional del médico de la misma.

El Volto, o la máscara larva, es una máscara veneciana tradicional y se encuentran también en blanco, se usa con un sombrero de tres picos y capa larga. El término larva proviene del latín y se refiere a la sombra o máscara, lo que implica la fantasmal afecto creados por el uso de toda la superficie que cubre la máscara blanca. La máscara es tradicionalmente usado con toda traje negro, y está diseñado para permitir a un usuario para hablar, comer y beber con facilidad. Aunque tradicionalmente blanco, máscaras volto pueden ser decorados y pintados a ser extremadamente adornado y delicado.

Cultura empresarial organizativa de southwest airlines

Southwest Airlines es bien conocido por su modelo de negocio de pared hacia abajo, poco convencional. Se centra en las llegadas y salidas puntuales y servicio sin lujos, pero agradable, ha ayudado a la compañía aérea para prosperar en un momento en que muchos otros están fallando. Enfoque en el suroeste no puede ser para todos, pero para aquellos que buscan un gran valor y fiabilidad encontrar suroeste ser la elección perfecta.

Suroeste es conocida por su asistentes de vuelo y de pilotos chiflados anuncios en vuelo y actitudes juguetonas. Incluso el CEO tiene un sentido del humor, sus opciones de disfraces de Halloween se basan en las respuestas de los clientes a su blog, y ha vestido como una estrella de rock, un pirata y una mujer con un peinado colmena. Suroeste demuestra que es posible tener un buen tiempo y ahorrar dinero.

Southwest se dedica a mantener a sus empleados contentos, y se nota en la falta de volumen de negocios. Después del 11 de septiembre de 2001, la mayoría de las compañías aéreas despedidos empleados debido a las ventas que ceden, pero suroeste mantienen todo su personal. Esta lealtad, junto con un programa de reparto de utilidades y una proporción mucho mayor de los supervisores a los empleados que la mayoría de las líneas aéreas, explica por qué los empleados realizan tan eficazmente y con entusiasmo.

Suroeste utiliza un solo modelo de avión, el Boeing 737, y tiene una flota de más de 500. Esto significa que la compañía no tiene que entrenar a los mecánicos en hasta 20 modelos diferentes, al igual que algunas líneas aéreas, lo que ayuda a mantener los costos bajos.

Southwest es famoso por su falta de asientos asignados. Mientras que algunos, sobre todo los de embarque último, lamentan la imposibilidad de elegir un asiento, que es una razón por la aerolínea es capaz de subir a sus pasajeros tan rápidamente. Suroeste considera la adopción de asientos asignados después de las quejas de los viajeros de negocios frecuentes, sino que simplemente lo modificó en su lugar. Estar abierto aún se utiliza, pero ahora los clientes se les asigna un número en línea, por lo que se requiere menos tiempo de reposo cuando los pasajeros van a la cola adecuada (A, B o C, dependiendo de la hora). La compañía encontró que la gente se mueve mucho más rápido cuando tienen que encontrar sus propios asientos, en lugar de asentarse en los asignados.

Suroeste ocupó el segundo lugar en el departamento de estudios de la puntualidad de Transporte de EE.UU. 2008. Hawaiian Airlines llegó en primer lugar, en gran parte debido a la falta de retrasos debido al mal tiempo. Southwest fue una de las tres líneas aéreas con un porcentaje de tiempo de 80 o superior.

Las entradas sólo se pueden comprar directamente a través del sitio seguro de Southwest, ya sea por teléfono o en Southwest.com y paquetes de vacaciones disponibles. El sitio ofrece siempre ofertas en internet.

Southwest fue la primera aerolínea en tener su propio sitio web. Un empleado también se le ocurrió la idea pionera de tener un quiosco automatizado para facturar para un vuelo. Su programa Rapid Rewards es diferente de los sistemas aviador más frecuentes, ya que se basa en volar un cierto número de veces en un período de tiempo determinado, en lugar de millas recorridas. Southwest ha mantenido recientemente un aspecto altamente competitivo de su servicio, manteniendo las dos primeras piezas de equipaje gratis.

La historia de los trajes de baile burlesque

Burlesque es una forma consagrada por el tiempo de funcionamiento de la danza, que combina el erotismo con humor, ingenio y estilo. Nació en el siglo 19, y después de años de jugar el segundo violín a los striptease más abiertamente sexual, que está con nosotros otra vez.

Para cualquier artista de burlesque grave, sin embargo, lo importante no es sólo tomar por si fuera poco – es lo que te quitas. Burlesque ha sido siempre su propio mundo de la moda.

Artistes Burlesque consideran trajes tan importante, que a menudo se construyen representaciones – rutinas – alrededor de lo que planean llevar. Disfraces van desde glamour sexy a través absoluto divertido. En el mundo burlesque de hoy, todas las apuestas están apagadas, y son más propensos a ver una artista femenina pelar fuera de un equipo trabajador de la construcción como la realización de un baile clásico ventilador de recrear looks vintage.

La edad de oro de las fechas de burlesque de finales del siglo 19, cuando compañías como Lydia Thompson y sus Blondes británicos cautivó al público bailando en disfraces, dispuestos a escandalizarse por el día. Fotos Antiguas revelan las faldas por encima de la rodilla y medias ajustadas.

Por la década de 1930, el circuito de Minsky había empezado a producir las estrellas individuales. Gypsy Rose Lee hizo traje esencial para su acto, como se hizo hincapié en la lenta eliminación de las burlas de capas y capas de satén y encaje. Las fotografías muestran Lee adornada en boas de plumas y capas al principio de su acto. Después de quitar su vestido, ella todavía tenía muchas capas para ir: un corsé, liguero, medias. Y ella era famosa por pelan lentamente de un par de guantes largos.

Por la década de 1960, la moral pública habían comenzado a tolerar la desnudez y contenido sexual explícito, y no sólo en los cines, pero en los clubes y en las películas. Con las estrellas del sexo sin dejar nada a la imaginación, trajes han tenido una importancia secundaria. Un bikini, tal vez, elimina rápidamente.

Burlesque hizo una reaparición en los años 1990. Lo que ha impulsado su nueva popularidad es el hecho de que artistas mujeres de hoy están haciendo para ellos, sus amigos y sus compañeros, nada podría estar más lejos de la mente de recuperar un público exclusivamente masculino.

Tradiciones de la música mexicana

México cuenta con una rica y variada cultura de la música, y la música es una parte importante de muchas celebraciones mexicanas y las actividades diarias. Las diferencias regionales son comunes y traer muchos sabores locales de la escena musical. Música mexicana también es algo más que notas — formas musicales tradicionales incorporan disfraces y cuentos y se nutren de la participación del público.

El mariachi se ha convertido en un símbolo no oficial de México, y estos grupos disfrazados de músicos se encuentran tocando música regional mexicana en bodas y otras celebraciones, así como en las plazas y cualquier otro lugar público donde hay un público dispuesto a escuchar. Música de mariachi es una mezcla de varios estilos regionales mexicanos de música, danzas de Europa — como el vals y fandango — y los ritmos y melodías de África. Bolero, ranchera y formas musicales hijo son todas realizadas como parte de la música de mariachi.

Ranchera es una forma de mariachi desarrollada a principios del siglo 20. Ranchera, una forma de música country mexicana, fue utilizado en varias películas durante ese tiempo, lo que hizo que el estilo popular en América Latina. Los temas de las canciones rancheras varían entre el amor, el patriotismo y la naturaleza, y se han tomado de la vida cotidiana de los agricultores. El ritmo de ranchera es o vals, polka o el bolero. El formulario ha sido estandarizada e incluye una introducción instrumental, verso y estribillo en el medio, y la conclusión instrumental.

Son formas musicales — básicamente música popular — se establecieron en el siglo 18. Existen diferentes estilos del son se pueden encontrar en las muchas regiones de México. Letras e instrumentación mostrar la influencia cubana, africana y criolla mexicanos han tenido en las zonas en que viven pulg Por la década de 1930, al menos 10 estilos hijo eran populares, la forma más popular del hijo siendo mariachi. Son jarocho (son originarios del estado de Veracruz) es otra forma popular, con los principales grupos de música latina tanto en México como en los EE.UU. muestreo ritmos e instrumentación del estilo. Son mexicano es la música más a menudo desempeñan en el campo y si usted tiene la oportunidad de disfrutar de un espectáculo en vivo, estar dispuestos a participar pisoteando sus pies en una contra-ritmo. Bandas hijo más mexicanos utilizan instrumentos de cuerda y letras a menudo se improvisan.

Además de ser un instrumento musical, marimba es también un símbolo cultural de México, sobre todo en el estado de Chiapas. Marimba es un tipo de xilófono, pero a diferencia de los tradicionales, xilófonos, marimbas mexicano está interpretado por varios músicos a la vez y tiene un sonido que define. Marimba puede ser parte de cualquier tipo de celebración, cualquier estilo de música, desde jazz hasta música de la boda, desde la música religiosa utilizada en misas católicas a las sinfonías de Beethoven, se puede jugar con la marimba. En algunas regiones, es difícil escapar de su sonido que viene de la calle.

Matachines son una parte importante de la música mexicana y la cultura de la danza y se puede ver que se realiza en fechas religiosas, como el día de Navidad y de santos. Matachines ilustrar la victoria del cristianismo sobre el paganismo y el bien sobre el mal a través de sus danzas. El propósito de Matachín es para ahuyentar a los malos espíritus y para honrar a la Virgen de Guadalupe, que es la patrona de México. Grupos de matachines tener al menos 10 bailarines representando diferentes papeles como los conquistadores españoles y el último rey azteca. Grandes bailarines usan trajes que ilustran sus partes, mientras que otros bailarines están vestidos con camisas blancas o rojas adornadas con cintas. Llevan chalecos y faldas divididas; cascos decorados con adornos de animales, espejos y plumas, y ya sea bisutería, medallas religiosas o perlas.